De Sueños y Contradicciones…
Cuando se trata de un recuerdo y de un olvido, de la impresión causada en el estado inconcientemente activo, causante del provocar la reflexión sobre lo que se ha visto en aquel estado, nublado y de extraña claridad, remoto e íntimamente cercano, en aquel denominado sueño… aquel que, encontrándose en terreno de estabilidad dudosa y profundamente plagado de posibilidad, hace posible la contradicción presente en su interior, ocasionando no sólo aquello concebido como real sino también una nueva posibilidad de…
La exposición presente permite a través de las obras presentadas por el autor, las cuales han sido realizadas en distintas técnicas, provocando un resultado pictórico diferente el uno del otro, el acercamiento a una visión propia, a un modo de entender aquella conexión existente e íntimamente ligada entre el término sueño y contradicción, entre lo coherente y lo dudoso, mas no menos relevante.
Siendo una muestra individual, se busca dar a conocer por medio del dibujo y la pintura un modo de entender la relación entre ambos términos ya mencionados, presentes a diario de manera evidente y a su vez olvidada.
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¿Both Sides?
Es la tercera de una serie de exposiciones dedicadas al dibujo como base primaria de expresión. Realizadas por estudiantes de 8° de la licenciatura de artes plásticas de la Universidad de las Américas, Puebla. Nuestro objetivo colectivo fue re-examinar y hacernos la pregunta ¿Cómo está, constituido el dibujo y su proceso? Descubriendo una práctica relevante para cada estudiante. Los resultados revelaron el infinito potencial de la disciplina.
Integrada por Siglinde Langholz y Miguel Pérez ¿Both Sides? trata de cambiar el contexto, materiales y técnica en artículos de una casa. El título de esta exposición surge a partir de una serie de preguntas que se hacen Miguel y Siglinde con referencia a la mujer y al hombre en cuestión con la casa u hogar. Este título es una pregunta que invita al espectador para poner en juicio lo que es la casa, el hogar, la mujer u el hombre. Es por eso que en el montaje no sólo se utiliza la galería si no también el baño de mujeres y el baño de hombres como una extensión del espacio de la galería. Después se plantea un diálogo entre las dos propuestas en el espacio de exposición.
Hay un conjunto de series que muestran un objeto cotidiano que sirve para proteger o cubrir el cuerpo se transforma en un objeto intervenido por medio de un bordado simulando la técnica del dibujo. Como en el caso de los curitas de Siglinde que protege al cuerpo de una infección o de un elemento externo que altere el organismo. Así también la toalla de Miguel cubre al cuerpo desnudo para no mostrar la intimidad. Los algodones de Siglinde y el papel de baño de Miguel investigan la relación entre la limpieza y la suciedad pero al mismo tiempo juegan con lo público y lo privado.
Dentro de la sala se muestra una confrontación entre las piezas de Siglinde y las de Miguel. “Piezas de cocina” es una serie de piezas de madera con dibujo que representan una bitácora de los elementos básicos de una cocina. Esta serie pone en juicio dos cosas: ¿Realmente la mujer tiene que cocinar?, ¿Por qué la mujer es la encargada de servir los alimentos y el hombre no? Al contrario, la obra de Miguel pone en duda la idea cultural y tradicional de que el hombre mexicano no debe ocuparse de los trabajos de un hogar.
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“To live is to leave traces”.
Walter Benjamin
Lo que se ve y lo que no
Es la primera de una serie de tres exposiciones dedicadas al dibujo como método básico de expresión realizada por los estudiantes de nivel avanzado de la licenciatura en Artes Plásticas de la Universidad de las Américas, Puebla. Los dibujos son trabajos concluidos dentro del contexto de técnicas de representación del dibujo. Nuestro objetivo colectivo fue el reexaminar y el preguntar qué constituye al dibujo, y en el proceso descubrir una práctica de dibujo que fuera relevante para cada estudiante. Los resultados revelan el infinito potencial de la disciplina. A veces íntimo y extremamente personal, los dibujos muestran una conexión directa con nuestras vidas vividas; en el dibujo, uno está presente. Mediado por la mano, el corazón y la cabeza, atestiguamos una necesidad de registrar todo, desde cicatrices en el cuerpo y el cuerpo mismo, hasta artículos íntimos de vestir y utensilios de cocina. Para algunos dibujar es un acto subversivo –una forma de sustituir una imaginada (y más deseable) realidad. Para otros, la relación con el material, con el papel y con el lápiz es más importante. Costuras de hilo, impresiones de pies, impresiones de manos e impresiones de senos, las herramientas del dibujo son tan variadas como su soporte. El dibujar es tal vez una manera de mediar entre lo que está adentro y lo que está afuera.
Es la primera de una serie de tres exposiciones dedicadas al dibujo como método básico de expresión realizada por los estudiantes de nivel avanzado de la licenciatura en Artes Plásticas de la Universidad de las Américas, Puebla. Los dibujos son trabajos concluidos dentro del contexto de técnicas de representación del dibujo. Nuestro objetivo colectivo fue el reexaminar y el preguntar qué constituye al dibujo, y en el proceso descubrir una práctica de dibujo que fuera relevante para cada estudiante. Los resultados revelan el infinito potencial de la disciplina. A veces íntimo y extremamente personal, los dibujos muestran una conexión directa con nuestras vidas vividas; en el dibujo, uno está presente. Mediado por la mano, el corazón y la cabeza, atestiguamos una necesidad de registrar todo, desde cicatrices en el cuerpo y el cuerpo mismo, hasta artículos íntimos de vestir y utensilios de cocina. Para algunos dibujar es un acto subversivo –una forma de sustituir una imaginada (y más deseable) realidad. Para otros, la relación con el material, con el papel y con el lápiz es más importante. Costuras de hilo, impresiones de pies, impresiones de manos e impresiones de senos, las herramientas del dibujo son tan variadas como su soporte. El dibujar es tal vez una manera de mediar entre lo que está adentro y lo que está afuera.
Los trabajos de dibujo de Beatriz Morales Palma y Elizabeth Flores Lagunes representan una intensa investigación y los extremos del concepto de lo que se ve y lo que no. Descartando a la modelo desnuda, básica para comprender al dibujo académico de la figura humana, Morales Palma reviste a la figura, protege y obscurece la forma para concentrarse en las figuras abstractas que revelan las luces y las sombras. Sobrevolando entre la figura y algo más, estas flotantes y fantasmagóricas formas revelan una urgente preocupación por la metamorfosis que va de lo visible, externo y físicamente real a la realidad oculta y espiritual, a lo sublime. En nuestra búsqueda por la verdad, lo que podríamos estar viendo podría no ser lo que esté ahí, y viceversa.
El recortar es el dibujar una línea. Blanco sobre blanco, el delicado y cuidadoso papel de Flores Lagunes, tangas recortadas, presenta una clasificación taxonómica de una prenda de vestir íntima. Poniendo lo personal en lo público, el dibujo se vuelve una preocupación ‘espacial’ tal como Flores Lagunes pone sus prácticas en papel sobre la pared. Los exquisitos, minimalistas dibujos en línea sobre mosaicos de madera balsa, seducen al espectador llevándolo a comprometerse con el contenido más personal de los mosaicos. Como voyeristas, escaneamos la pared en búsqueda de mayor satisfacción y de saber qué es lo que estamos mirando. El dibujo puede indagar en el satisfacer nuestros deseos y al mismo tiempo puede ser una manera de superar miedos.
Marna Bunnell
Febrero 2008
Universidad de las Américas, Puebla
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Autorretrato Colectiva
Si el retrato es definido como aquello que se asemeja mucho a lo que se representa en él (cosa, persona, momento) el autorretrato es entonces la autodefinición de lo que creemos nos representa en un momento o situación especifica; los síntomas de lo que para nosotros mismos somos, la actualización efímera de uno mismo.
Sin embargo, y para efectos de esta exposición, pareciera que el propio nombre autorretrato elimina a los autorretratos aquí presentados ¿pues cómo organizar una muestra que hable del autorretrato de muchas personas? ¿autorretrato colectivo? ¿autorretrato de la colectividad aquí mostrada?
Más bien y desde mi punto de vista, el siguiente ejercicio expositivo muestra y anula lo que podrían ser ejercicios de autorretratos y los convierte en indicios de lo que, en todo caso, es el autorretrato de la comunidad de estudiantes de artes de esta escuela y como consecuencia, el autorretrato de parte de la producción artística de esta comunidad que en algún momento exploró este tema.
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"Sin parpadear” en la galería La luz de la nevera
La exposición Flicker-free (Sin parpadear) de Ariadna Corona y Andrea Coyotzi, estudiantes del Departamento de Artes de la Universidad de las Américas Puebla (UDLA), fue inaugurada ayer en la galería La luz de la nevera, ubicada en el salón HU302.
Andrea Coyotzi Borja explicó en entrevista, durante el montaje de los trabajos que serán exhibidos hasta el miércoles 5 de marzo: “realizo esta exposición con Ariadna Corona Díaz, Flicker-free, sin parpadear, la cual se refiere a un término cinematográfico. Forma parte de una serie de exposiciones de la clase de dibujo con Omar Lagunel que tomamos el semestre pasado”.
Por su parte, Coyotzi Borja explicó: “Tratamos de reunir mi obra con la de Ariadna, lo cual es interesante, pues no ocupamos sólo la galería, sino también espacios alrededor de ésta, como las escaleras, donde mi obra permanecerá un día. La obra de cada una presenta proyectos individuales, no temas conjuntos; fuimos haciendo las asociaciones para exponer de acuerdo a lo que vimos el semestre pasado en esa clase de dibujo. A esta muestra se le dio un poco una estructura o formato cinematográficos”.
Es por ello que se podrá ver una larga serie de dibujos de Ariadna Corona, quien explicó: “Lo mío es un storyboard, tres escenas compuestas por aproximadamente 40 dibujos”. Respecto al por qué de hacer este tipo de obra, Ariadna detalló los preliminares que se pueden mostrar a través del dibujo para detallar lo que después se verá en una historia contada en el cine. La suya es esa, una historia narrada en los preliminares con un arte difícil y que no está de moda: el dibujo.
Andrea Coyotzi refirió: “Lo que resulta de esto no es solamente una exposición de dibujos, sino una instalación de todos estos trabajos a partir de los presentados por cada una. Yo, por ejemplo, presenté una serie de dibujos en una libreta. Esta conjunción de dos personas que presentan una exposición, implica todo un proceso de trabajo, en nuestro caso específico, ‘cinematográfico’”.
